- Interview （日本語版）

Q:moor gallery ) 2度目のSolo Exhibitionとなりますが、このExhibitionに向けた想いをお聞かせください？

A:Aesther Chang氏 ) 

1. 正直に言うと、真っ白なキャンバスと向き合う瞬間はいまも怖いと感じます。
2. ただ制作を重ねるなかで、強い作品ほど、失敗や迷いの先から生まれてくることに気づきました。私にとって絵画は、一度壊され、何度も変化を受け入れながら、ようやく自分のかたちを見つけていくもののようです。
   
   クラシカルな絵画教育を受けてきた私は、以前は完成像を明確に思い描き、細部までコントロールする描き方をしていました。しかし抽象表現へと移るなかで、絵を描く喜びは結果ではなく、その過程にこそあるのだと感じるようになりました。何が起きてもいい、という開かれた気持ちでキャンバスに向かうと、作品は無理なく、正直に自分自身のかたちへと育っていきます。
   
   制作は、混沌と静けさが同時に存在する体験です。素材同士が反発し、呼応し合う緊張感のなかで、動きと静けさが共存しています。身振りや身体の動き、そして自分では制御しきれない素材の反応に導かれながら、動きは思考から身体へ、そしてキャンバスへと流れ込んでいきます。
   
   こうした「変化を受け入れる姿勢」は、制作だけでなく、私の生き方そのものにもつながっています。人生は不確かさに満ちていますが、その予測できなさこそが私たちを生かしてくれるのではないでしょうか。心地よい場所に留まるのではなく、不安や違和感のなかへ一歩踏み出すこと。それが、絵画においても人生においても、変化と成長をもたらすのだと感じています。

Q:moor gallery ) 今回の作品ではどのような心情・景色・事象が表現されていますか？

A:Aesther Chang氏 ) 

• 技術的な探求と同時に、制作は私にとって感情の変化を辿る時間でもあります。理由のわからないまま感情に包まれる瞬間があり、そうした剥き出しの状態のときに、私は自分の絵に近づいていると感じます。そのとき絵画は、脈動し、呼吸する生きた存在として立ち上がってきます。本来は命を持たない物質に生命感を宿すことはいまも不思議ですが、感情のない絵は、私にとっては生きていない絵なのです。
  
  
• 光と影は、抽象表現のなかでも制作の核となる要素です。とくに巨匠たちのキアロスクーロ（明暗法）の影響は、空間や雰囲気の構築に息づいています。京都の山々に囲まれた環境で暮らすなかで、光と影への感受性はさらに研ぎ澄まされました。この土地の気候は絶えず移ろい、空には色や形、光の層が刻々と現れては消えていきます。私がとくに惹かれるのは、光がやわらかく空気を帯び、夢のような表情を見せる移ろいの時間帯です。 夜明け、夕暮れ、薄明。色彩が繊細なグラデーションをまとい、現実と非現実の境界が曖昧になるその瞬間の観察が、多くの作品の源になっています。
  
  展覧会タイトルである「The Shape of Air（空気の輪郭）」は、不在のなかから立ち上がるかたちを示すと同時に、混沌を抱え込み、そこから解き放っていく私の制作プロセスを映し出しています。ここでいう「空気」とは、光や動き、知覚によってかたちづくられる存在であり、絵画そのもののあり方とも重なります。

Q:moor gallery ) 日本に移住されたとお伺いいたしました。移住への想い、祖国への想い、作品への影響についてお聞かせください？

A:Aesther Chang氏 ) 

1. 若い頃から海外や各地を移動し続けてきたので、どこか一つの場所に根を下ろしているという感覚を、長いあいだ持てずにいました。ただ次第に、それは一種の内的な自由なのだと捉えるようになりました。どこにも完全には属さないからこそ、自分自身の内側に「居場所」を育てることができたのだと思います。そのため、私はもともと移動や変化に対して、自然と心を開いてきました。
2. 
   日本に移ってからは、環境が生き方や感情に与える影響の大きさを、より深く実感しています。京都は、自然、都市、文化が稀有なバランスで共存する場所で、ここで見つけたリズムは、私にとってとても地に足のついたものです。この奥行きのある街との関係を、芸術や歴史を通して、これからも丁寧に深めていきたいと思っています。

 - Interview（English）

1. Q:moor gallery ) This is your second solo exhibition. How did it feel stepping into this process again, and what stood out to you this time around? 
   

A:Aesther Chang ) 

I’ll be honest. Facing a blank white canvas still frightens me. Yet over time, I’ve discovered that my strongest works often emerge from failure. For me, painting is something that must first be broken. It must undergo shifts in composition, color, and material before it can develop maturely into its own.

I was trained in classical painting and approached painting with a realistic vision. Every detail was controlled and perfected. As my practice moved toward abstraction, however, I began to feel that the joy of painting lies not in the result, but in the process itself. When I approach the canvas with openness, accepting that anything might happen, the work is free to evolve on its own, naturally and honestly.

Making a painting is an experience where chaos and stillness coexist. I’m constantly weaving a dialogue between materials that resist and respond to each other, creating moments of tension and harmony. This requires physical movement as a catalyst for change. Guided by body gestures and material reactions beyond my control, these movements flow from thought to body and finally onto the canvas.

This openness to change connects not only to my practice, but also shapes how I move through life. Life is full of uncertainty, and that unpredictability is what keeps us alive. Stepping beyond comfort and into unease is what brings change and ultimately, growth.